АРТ-новости со всего мира

10 самых известных картин Рене Магритта

Бельгийский художник Рене Магритт - один из самых известных сюрреалистов в мире. Его работами вдохновлялись множество дизайнеров и брендов: дебютная коллекция Рафа Симонса для Dior основана на «Летних маршах» и «Земле чудес», Comme des Garçons выпустили коллекцию обуви по мотивам работ Магритта, а Джереми Скотт из Moschino и вовсе сделал коллекцию с прямой отсылкой к картине Рене «Вероломство образов» и назвал ее This is not a Moschino («Это не Moschino»).  21 ноября исполняется 120 лет со дня рождения художника, в честь чего Vogue UA вспомнил 10 его самых известных работ. .

"Декалькомания", 1963, частная коллекция

"Человек в котелке", 1964, частная коллекция

"Сын человеческий", 1964, частная коллекция

"Ясновидение (Автопортрет)", 1936, Чикагский институт искусств

Бесконечное признание", 1963, частная коллекция

"Голконда", 1953, Коллекция Менил, Хьюстон, Техас

"Любовники", 1928, Нью-Йоркский музей современного искусства

Репродуцирование запрещено", 1937, Музей Бойманса — ван Бёнингена

"Фальшивое зеркало", 1928, Нью-Йоркский музей современного искусства

«Вероломство образов», 1928—1929, Музей искусств округа Лос-Анджелес

Дэвид Хокни - самый дорогой художник из ныне живущих
"Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)

90, 3 миллиона долларов - именно столько неизвестный коллекционер заплатил за работу "Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)" Дэвида Хокни на аукционе Christie's в Нью-Йорке, тем самым побив рекорд. Таким образом 81-летний Дэвид Хокни стал самым дорогим художником из ныне живущих. Cтартовая цена картини была 80 миллионов, и в течение 10 минут за нее боролись по телефону два анонимных участника аукциона.

Дэвид Хокни -  один из самых ярких представителей поп-арта, национальное достояние Великобритании и один из самых влиятельных художников 20 века. Его работы  находятся в коллекциях Tate Modern, Метрополитен-музея, Центра Помпиду и MoMa. Хокни прославился в 1970-х работами, посвященными калифорнийским бассейнам - символам гламура, успеха и лоска. "Портрет художника (Бассейн с двумя фигурами)" был написан в 1972 году, когда Хокни жил в Калифорнии, и посвящен отношениям Хокни с художником Питером Шлезингером.

Раньше статус самого дорого художника принадлежал 63-летнему Джеффу Кунсу, чья "Собака из воздушных шаров (оранжевая)"  была продана на аукционе Christie's  за $58 млн.

Дэвид Хокни

В Нью-Йорке открывается большая ретроспектива Энди Уорхола

"25 котов по имени Сэм и одна голубая кошечка", 1954

12 ноября в нью-йоркском Музее Уитни открылась ретроспектива Энди Уорхола. Самое интересное в ней то, что на выставке покажут ранние работы Уорхола: они сделаны в начале 1950-х, когда художник еще не был знаменит и подрабатывал, создавая рисунки для глянцевых журналов.

Весь мир знает, что Энди Уорхол был великим и очень популярным: все помнят его работу "Банка супа Кэмпбелл", которая в свое время была продана за 20 миллионов долларов; его разноцветные поп-артовские портреты Мэрилин Монро и Элвиса Пресли. Но что делал Уорхол, пока не стал знаменит? Ответ на этот вопрос, в том числе, дает выставка  "Философия Энди Уорхола: От А к Б и обратно", названная в честь автобиографической книги художника. 12 ноября она открылась в музее Уитни и стала одним из главных арт-событий этого года. Чехословацкий Vogue уже посвятил этой выставке и Уорхолу декабрьский номер. Почему она так важна? Все просто - это самая большая за 30 лет ретроспектива короля поп-арта. 

Выставка заняла два этажа музея Уитни - в нее вошли 350 работ из десятка музейных и частных коллекций. Главным спонсором выступил бренд Calvin Klein. Еще в 2016 году, когда Раф Симонс только стал креативным директором марки, он заключил договор с фондом Энди Уорхола - и на три года получил неограниченный доступ к архивам художника. Летом этого года фотографии авторства Уорхола появились на коллекции белья Calvin Klein Underwear. Помимо этого, дом стал спонсором реставрации 102 холстов художника, а теперь поддержал ретроспективу в музее Уитни.

"Уорхол очень современен. Живи он в нашу эпоху селфи, он бы отлично себя чувствовал", - говорит куратор выставки и друг художника Донна де Сальво. Уорхол был очень талантливым человеком, но при этом не боялся работы - более того, всегда говорил, что он художник коммерческий и всегда им был. В 1949 году ему был всего 21 год: выходец из семьи эмигрантов из Словакии, он переехал в Нью-Йорк и погрузился в работу. Довольно быстро Уорхол, графический дизайнер по образованию, стал одним из самых популярных на Мэдисон-авеню иллюстраторов. Он был штатным иллюстратором в Vogue и рисовал рекламные кампании для брендов - например, долго сотрудничал с крупной обувной кампанией I. Miller & Sons, помогая ей выйти на более молодую, современную аудиторию.

 

 

 

 

 

 

 

 

"Труман Капоте", 1956

In the Bottom of My Garden, 1956

Выставка разделена на 20 секций и охватывает все, чем занимался Уорхол: иллюстрации и поп-арт, шелкографию и печать на серебре, кино, фотографию и тиражное искусство. "Он был невероятно плодотворен", - замечает кураторы. - Но в некоторых даже поздних его работах чувствуется усталость от того, что ему приходилось делать портреты богатых людей ради заработка". Художник был частью нью-йоркского светского общества, близким другом Лайзы Минелли, Элизабет Тейлор, Мика Джаггера, Трумена Капоте. Но,  по словам куратора Донны де Сальва, он был "участником-наблюдателем: камера была, с одной стороны, способом отступиться и посмотреть на процесс со стороны, а, с другой стороны, войти в эту кампанию легко и естественно".

Выставка будет работать в Музее Уитни до 31 марта 2019 года.

"Обнаженный мужчина", 1957

Связь со Вселенной: новая выставка Яёи Кусамы в Лондоне

Яёи Кусама

89-летняя Яёи Кусама – одна из самых эксцентричных художниц своего поколения. Она посвящает свои работы красоте цвета, геометрии и всевозможным фантазиям. Этой осенью работы знаменитой японки будут представлены в галерее Виктории Миро в Лондоне.

От гигантских пятнистых тыкв до красочных картин, пейзажей и уникального подхода к пуантилизму – работы Кусамы выделяются общим техническим совершенством. Она часто показывает их в необычных помещениях, где играет со светом и пространством. В октябре в лондонской галерее Виктории Миро открылась ее выставка «Тот трогательный момент, когда я отдалась Вселенной». Помимо картин, скульптур и инсталляций в ее рамках художница представила совершенно новый проект – «Бесконечный зеркальный зал».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Рисовать Яёи Кусама начала с детства. В большинстве случаев ее работы ассоциируются с рисунком в горох. В 10 лет из-за жестокого обращения матери у нее возникли галлюцинации, которые позже выразились в первых картинах. Занятия искусством помогли Яёи освободиться от мучительных видений. Вдохновленная общением с Джорджией О'Кифф, в 50-х годах Кусама переехала в Нью-Йорк. А уже в 1960-е оказалась в эпицентре художественной жизни, стала пионером развивавшегося тогда поп-арта и даже обвиняла Энди Уорхола в плагиате. Спустя годы она несколько раз представляла Японию на Венецианской биеннале, и параллельно зарабатывала себе скандальную репутацию. Эксцентричные выходки никак не повлияли на успех Яёи. До недавнего времени, она была самой дорогой живущей женщиной-художницей: в 2016 году на аукционе Christie's ее полотно «Белый №28» ушло с молотка за $7,3 млн. Сейчас ее рекорд побила Джэнни Сэвилл - ее работа Propped была продана за $ 12,4 миллиона долларов 7 октября.

Кто такая Дженни Сэвилл - самая дорогая художница из ныне живущих
27 октября в Лондоне прошел аукцион Sothebyʼs. На нем был установлен новый рекорд -  британка Дженни Сэвилл стала самой дорогой художницей из ныне живущих. Ее работа Propped была продана за $ 12,4 миллиона долларов: это автопортрет, сквозь который проступают феминистские высказывания и цитаты.  Картина была написана в начале 90х, когда Дженни была студенткой, и куплена Чарльзом Саатчи.
Единственный конкурент Сэвилл на сегодняшний день - Джефф Кунс, который лидирует среди мужчин-художников. В 2013 году его "Собака из шариков" ушла с молотка за 58, 4 миллиона долларов и до сих пор его рекорд никто не побил.
Дженни Сэвилл 48 лет и она относится к арт-группе YBA - так называемой группе "молодых британских художников", в которую также входят Дэмиен Херст и Трейси Эмин. Расцвет этой арт-группировки пришелся на середину 90-х и был связан с поддержкой галериста и бизнесмена Чарльза Саатчи. Когда Дженни только заканчивала школу искусств в Глазго, Саатчи купил все её работы и предложил ей 18-месячный контракт. 
Главные герои живописи Дженни Сэвилл - женщины, часто гротескные, нелепые, брутальные или деформированные, при определенных ракурсах похожие на загнанных животных. Дженни пишет картины больших форматов, которые производят очень мощное впечатление. "Я хочу быть художником современной жизни и современных тел", - говорит Сэвилл. Художница ищет и находит своих героев в повседневности - наблюдая за женщинам в торговых центрах, пациентками, которых готовят к липосакции в больницах, или за учителями в среднестатистических школах. Несмотря на всю злободневность, по форме живопись Сэвилл часто напоминает классическое искусство - например, работы Питера Пауля Рубенса.

Propped, автор - Дженни Сэвилл

"Собака из шариков", Дэмиен Херст

Red Stare Head IV, Дженни Сэвилл

Reproduction drawing IV, Дженни Сэвилл

Работники масскульта: кто такие художники эпохи "Инстаграма"
Современные художники эпохи «Инстаграма» переосмысливают действительность необычными методами: скрещивают прошлое с настоящим, придумывают новый мир и верят в силу слова. А в них верят модные бренды.

Обладают ли художники даром предвидения? Или их удел – лишь методично документировать окружающую нас действительность? Случается, что оба этих почти полярных понятия – первое из метафизического будущего, а второе из осязаемого настоящего – удивительным образом переплетаются. Пример подобного художественного синтеза – работы Коко Капитан: в своих фотографиях она четко ловит такое важное для современной молодежи «здесь и сейчас», а в серии живописных полотен – пытается «сделать текст таким же актуальным, как и изображение». Смелое заявление для 26-летней художницы в эпоху «Инстаграма».

«Я принадлежу к поколению, для которого картинка всегда будет важнее, – продолжает Коко. – Кажется, сейчас все фотографируют, вместо того чтобы писать». Она родилась в испанской Севилье, а в 17 лет переехала в Лондон и поступила на курс фотографии в Лондонский колледж моды, но закончила учебу уже в престижном Королевском колледже искусств. Вместо того чтобы прохлаждаться в университетских стенах, Коко Капитан вовсю снимала и уже к выпускному курсу год назад успела не только сделать студенческое портфолио, но и похвастаться работами для Vogue, The New York Times Magazine и DAZED.

Тем не менее на fashion-фотографии Коко останавливаться не собиралась, несмотря на то, что она не только давала ей возможность самовыражаться, но и неплохо кормила. «Живопись всегда была моей страстью, – признается она. – С помощью фотографии ты помещаешь мир в рамку, тогда как с живописью должен создать весь мир с чистого листа. Думаю, что сейчас цифровые технологии сделали живопись более ценной, чем когда-либо. У нас все еще сохранились сильные привязанности к идее мастерства, и живопись здесь играет огромную роль. Сегодня мы тратим невероятно много времени на цифровые устройства, но я, находясь в галерее, не хочу смотреть в экран».

Свои фотографии в «Инстаграме» Коко исправно разбавляет слоганами, а также пытается показать, что красоту живописного пейзажа, будь то морская гладь или бушующий океан, можно передать только словами. Слово для нее заменило яркий, мощный экспрессионистский жест, когда художники выплескивали на холст полбанки краски и неистово проходились по нему широкой кистью. У нее же вместо этого – идеально подобранные фразы. Ее слоганы кому-то могут напомнить точно выверенные, будто вырезанные скальпелем работы американской концептуальной художницы Дженни Хольцер, светодиодная инсталляция которой Protect me from what I want («Защити меня от того, чего я хочу») на огромных билбордах Таймс-сквер в 1985-1986 годах поразительно актуальна до сих пор и, очевидно, еще долго продержится в списке лучших произведений искусства, использующих в качестве главного элемента слово.

Вместо размашистых и бескомпромиссных плакатных шрифтов Хольцер у Капитан – будто робкой детской рукой выведенные черточки, которые складываются в не менее важные и заметные заявления. Мировую известность ей принес слоган «Что мы будем делать со всем этим будущим?», придуманный для капсульной коллекции модного бренда Gucci и ставший огромным граффити-билбордом в Милане и Нью-Йорке в рамках проекта Gucci Wall Art, который поднимает чрезвычайно актуальный экзистенциальный вопрос.

«Иногда я просто записываю все, что приходит на ум. В других случаях я часами анализирую слова или предложения, – объясняет свою художественную методику Коко. Для нее слова невероятно ценны, она верит, что если собрать их в правильном порядке, то они могут стать лингвистическим шедевром, который будет похож на живопись. Коко завораживает то, как люди говорят, и то, что для них это так естественно; ее восхищают те, кто, не владея языком идеально, умудряются выразить очень сложные эмоции с помощью ограниченного словарного запаса и неправильной грамматики. Эта удивительная точность «языковых» работ художницы поразила и Алессандро Микеле, креативного директора Gucci. Алессандро и Коко связывает не только fashion-сотрудничество: ее фразы украшают стены старинного флорентийского палаццо, в котором в январе этого года вместо музея марки открыли Gucci Garden Galleria – инновационное пространство, соединившее традиции и современность, магазин уникальной одежды и аксессуаров, выставочное пространство, а также ресторан, кухню в котором поставил трехзвездочный мишленовский повар Массимо Боттура.

Через похожую машину времени проходят образы из рисунков Игнаси Монреаля – еще одного художника, работы которого стали основой не только для лимитированной коллекции #GucciHallucination, но и для рекламной кампании бренда сезона весна-лето – 2018. Модели с подиума вдруг оказались в своеобразном Зазеркалье – Игнаси умело вписал их в художественные традиции и сюжеты прошлого. Но его картины при этом не напоминают лубок или сатиру на полотна гиперреалистов. Напротив, крутой замес прошлого и настоящего выглядит невероятно свежо.

С тех пор как Алессандро Микеле в 2015 году стал креативным директором Дома, курс Gucci очень изменился. Частью этих изменений стало сотрудничество с молодыми художниками, которых Микеле находит в основном в «Инстаграме». Дизайнер говорит, что с ними у него одинаковое чувство прекрасного, и признается, что влюблен в работы каждого.

Именно в «Инстаграме» Микеле нашел еще одну художницу – Хелен Дауни, известную под псевдонимом Unskilled Worker. Она работает в неопримитивистской манере. Ее трогательные рисунки – дань уважения прошлому. В них Дауни с детской непосредственностью рассказывает о самом важном – о том, что мир вокруг может быть сказочным, надо только приложить к этому немного усилий, и что любовь непременно победит. Алессандро Микеле нашел Хелен еще в 2015-м и пригласил для участия в выставке No Longer / Not Yet, которая открылась в Шанхае в октябре того же года. А в октябре этого в онлайн-магазины марки поступит эксклюзивная коллекция, состоящая из 40 предметов, рисунки для которых создала Unskilled Worker.

Придуманный мир всегда был частью мира моды. И если у Игнаси Монреаля он проявляется в будто оживших полотнах прерафаэлитов, а у Хелен Дауни – в ее детских рисунках, словно найденных на чердаке у бабушки, которая хранила все, что связано с любимой внучкой, то Коко Капитан однажды придумала себе братьев-близнецов, которых у нее никогда не было. Их изображения ожили в cover story для арт-номера Vogue UA.

Съемка прошла на вилле в пригороде Лондона. Именно в таком доме Коко могла бы жить со своими вымышленными братьями. Для съемки их роль исполнили друзья Коко – братья-близнецы Ян Эдуард и Эрик Эммануэль. И если бы у Коко на самом деле были братья, она бы им сказала: «Идите со мной, не оставляйте меня». Вместе идти в неопределенное будущее действительно как-то проще.

Текст: Александр Щуренков

Фото предоставлены Gucci

Художница Коко Капитан в Милане рядом с собственным муралом (проект Gucci Art Wall)

Gucci Garden. Когда Алессандро Микеле разрабатывал концепцию, он хотел, чтобы в этом пространстве было интересно и ценителям моды, и гастропутешественникам, и тем, кто интересуется современным искусством

Иллюстрации Игнаси Монреаля для рекламной кампании Gucci весна-лето – 2018

Иллюстрации Игнаси Монреаля для рекламной кампании Gucci весна-лето – 2018

Иллюстрации Хелен Дауни для коллекции Gucci prêt-à-porter, которая поступит в продажу в октябре 2018-го